Writer

Susan Stiles is a poet and freelance writer whose work traces the landscapes of memory and belonging. Her poems have appeared in various publications such as eratio, Trampoline, The Lake, Panorama, Slant, and The Westchester Review. Recently, she joined Panorama as a reader for their magazine. She makes her home on the Croatian island of Rab where she occasionally writes a blog about the island and her experiences on it. Her freelance work includes penning profiles of artists for mosaicARTS gallery in Virginia. Prior to settling in Croatia, she lived and worked and raised three children in the Washington, D.C. area.

Her goal during the residency is to combine several of her poems into a cohesive manuscript that explores how place inhabits us—as muse, as memory, and as myth. This project is an exploration of place that ultimately asks the two-part question: What does it mean to belong to a place, and what does it mean for a place to belong to us?

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Scrittrice
Susan Stiles è una poetessa e scrittrice freelance il cui lavoro traccia i paesaggi della memoria e dell’appartenenza. Le sue poesie sono apparse in diverse pubblicazioni, tra cui eratio, Trampoline, The Lake, Panorama, Slant e The Westchester Review. Recentemente è entrata a far parte di Panorama come lettrice per la rivista.

Vive sull’isola croata di Rab, dove occasionalmente scrive un blog sull’isola e sulle sue esperienze. Il suo lavoro freelance include la redazione di profili di artisti per la galleria mosaicARTS in Virginia. Prima di stabilirsi in Croazia, ha vissuto, lavorato e cresciuto tre figli nell’area di Washington, D.C.

Durante la residenza, il suo obiettivo è riunire diverse sue poesie in un manoscritto coeso che esplori come i luoghi ci abitano — come musa, come memoria e come mito. Questo progetto è un’indagine sul luogo che pone infine una duplice domanda: cosa significa appartenere a un luogo e cosa significa che un luogo appartenga a noi?

Writer

Anne Schuchman is a writer and translator from Italian into English. Her nonfiction work has appeared in The Massachusetts Review, Chicago Story Press, The Saranac Review, and Apricity Press, among others. Her translations from Italian have been published by World Literature Today, The Southern Review, The Los Angeles Review, The Ilanot Review, The Queens Review, and The Journal of Italian Translation. Her work has been recognized with awards from Bread Loaf, Fulbright, NEH, and the New Jersey State Council for the Arts. Dr. Schuchman holds a Ph.D. in Italian Studies from NYU and an MFA in Creative Nonfiction and Literary Translation from Fairleigh Dickinson University.

Her current project asks how loss alters the stories we tell about ourselves and about the people we love, and how these stories are shaped by the places we inhabit. While the work begins with personal grief, it has increasingly moved outward, toward questions of continuity, fragility, and disappearance that extend beyondthe self. During the residency, she will also use the time to write new essays, revise existing work, and deepen her attention to how personal and communal loss intersect.

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Scrittrice
Anne Schuchman è una scrittrice e traduttrice dall’italiano all’inglese. I suoi lavori di saggistica sono apparsi in The Massachusetts Review, Chicago Story Press, The Saranac Review e Apricity Press, tra gli altri. Le sue traduzioni dall’italiano sono state pubblicate da World Literature Today, The Southern Review, The Los Angeles Review, The Ilanot Review, The Queens Review e The Journal of Italian Translation. Il suo lavoro è stato riconosciuto con premi da Bread Loaf, Fulbright, NEH e dal New Jersey State Council for the Arts. La dott.ssa Schuchman ha conseguito un Ph.D. in Italian Studies presso la NYU e un MFA in Creative Nonfiction e Literary Translation presso la Fairleigh Dickinson University.

Il suo progetto attuale indaga come la perdita modifichi le storie che raccontiamo su noi stessi e sulle persone che amiamo, e come queste storie siano plasmate dai luoghi che abitiamo. Sebbene il lavoro nasca da un lutto personale, si è progressivamente ampliato verso questioni di continuità, fragilità e scomparsa che vanno oltre il sé. Durante la residenza, utilizzerà inoltre il tempo per scrivere nuovi saggi, rivedere lavori esistenti e approfondire la sua attenzione a come le perdite personali e collettive si intrecciano.

Poet

Pam Schindler is an Australian poet living by the sea in Blackmans Bay, Hobart, Lutruwita/Tasmania. Her work has appeared in Australian magazines and anthologies. Her two collections are entitled: A sky you could fall into (Post Pressed, 2010) and say, a river (Ginninderra Press, 2023).

Pam graduated with an Honours degree in English Literature from the University of Queensland and worked as a reference librarian at both the University of Tasmania and the University of Queensland. She is a Hawthornden Fellow, receiving a writer’s residency at Hawthornden Castle, Scotland, in 2013. In 2020, she was commended in the WB Yeats Prize (Australia). In 2021, she took part as one of 23 Tasmanian poets in the Poetry for a More Than Human World project, led by Kristen Lang, and she was a featured poet in the 2024 Tasmanian Poetry Festival. In 2025, Pam was awarded the Tim Thorne Prize for Poetry at the Tasmanian Literary Awards.

While in residency, she will work on new poems that respond to the village and environment of Montegiovi. As an Australian, she finds the visible layers of history in medieval villages very vivid and moving. In addition, she is interested in exploring this contrast with Australia, where it is possible to visit wild places, with their intricate networks of plant and animal ecologies still intact, and imbued with a very ancient Aboriginal culture.

Pam is the 2026 La Baldi Residency/Salamanca Art Center awardee.

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Poetessa
Pam Schindler è una poetessa australiana che vive sul mare a Blackmans Bay, Hobart, Lutruwita/Tasmania. Il suo lavoro è apparso in riviste e antologie australiane. Le sue due raccolte si intitolano A sky you could fall into (Post Pressed, 2010) e say, a river (Ginninderra Press, 2023).

Pam si è laureata con lode in Letteratura inglese presso l’Università del Queensland e ha lavorato come bibliotecaria di reference sia all’Università della Tasmania sia all’Università del Queensland. È stata Hawthornden Fellow, ottenendo una residenza per scrittori al Castello di Hawthornden, in Scozia, nel 2013. Nel 2020 ha ricevuto una menzione nel WB Yeats Prize (Australia). Nel 2021 ha partecipato, insieme ad altri 23 poeti tasmaniani, al progetto Poetry for a More Than Human World, guidato da Kristen Lang, ed è stata una delle poetesse invitate al Tasmanian Poetry Festival 2024. Nel 2025 ha ricevuto il Tim Thorne Prize for Poetry ai Tasmanian Literary Awards.

Durante la residenza lavorerà a nuove poesie che rispondono al villaggio e all’ambiente di Montegiovi. In quanto australiana, trova molto vivide e toccanti le stratificazioni visibili della storia nei villaggi medievali. Inoltre, è interessata a esplorare questo contrasto con l’Australia, dove è possibile visitare luoghi selvaggi, con le loro complesse reti ecologiche di piante e animali ancora intatte, permeate da una cultura aborigena molto antica.

Pam è la vincitrice del premio La Baldi Residency / Salamanca Art Centre 2026.

Artist

Nicole Beck is a professional working artist who fabricates sculpture in her studio, has worked for many years with young apprentice artists on collaborative public art projects as a Lead Artist, and has an extensive exhibition record. She has installed site-specific public art commissions nationwide that are the result of intensive research and collaborative input from invested stakeholders. Nicole has won numerous awards and has attended many artists residencies, creating a web of support nationwide.

In 2004, Beck co-created Chicago Sculpture International with a tight group of professional sculptors and thus was born a thriving satellite organization of the International Sculpture Center. She is currently a Board Member At Large and an active committee member of the CSI Project Space Gallery in Bucktown.

Beck’s work has evolved over the years thanks to a background in the sciences to incorporate the concepts and applications of physics and the natural sciences. Botanical sciences, optics and astronomy are frequent themes.

She will take the time at La Baldi to gestate new ideas, designs and maquettes. She is always searching for new modalities to give form to her public artworks, whether via concepts and missions, or by utilizing specializing media like plantings, or by creating her signature colorful stainless and glass structures that canmark specific spaces with intent and use.

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Artista
Nicole Beck è un’artista professionista che realizza sculture nel proprio studio, ha lavorato per molti anni con giovani artisti apprendisti in progetti collaborativi di arte pubblica come Lead Artist e vanta un ampio curriculum espositivo. Ha realizzato installazioni di arte pubblica site-specific in tutto il paese, frutto di ricerche approfondite e del contributo collaborativo di stakeholder coinvolti. Nicole ha ricevuto numerosi premi e ha partecipato a molte residenze artistiche, creando una rete di supporto a livello nazionale.

Nel 2004, Beck ha co-fondato Chicago Sculpture International con un gruppo ristretto di scultori professionisti, dando vita a una vivace organizzazione affiliata all’International Sculpture Center. Attualmente è membro del consiglio direttivo e parte attiva del comitato della CSI Project Space Gallery a Bucktown.

Il lavoro di Beck si è evoluto nel tempo grazie a una formazione nelle scienze, integrando concetti e applicazioni della fisica e delle scienze naturali. Le scienze botaniche, l’ottica e l’astronomia sono temi ricorrenti.

Durante il periodo a La Baldi, dedicherà tempo alla gestazione di nuove idee, progetti e maquette. È costantemente alla ricerca di nuove modalità per dare forma alle sue opere pubbliche, sia attraverso concetti e intenti, sia utilizzando media specifici come piantumazioni, oppure creando le sue caratteristiche strutture colorate in acciaio inox e vetro capaci di definire spazi con intenzione e funzione.

Writer, Filmmaker, Artist

Nora Rosenthal is a writer, filmmaker, and artist whose work has been supported by the Canada Council for the Arts, the NFB, and the Ontario Council for the Arts. She has participated in residencies through the Banff Centre, the RIDM, the Power Plant Contemporary Art Gallery, and UnionDocs in Brooklyn, NY. Formerly the Arts and Culture Editor at Cult MTL, her writing has appeared in Momus, MUBI’s Notebook, The Editorial Magazine and Documentary Magazine. Her short film, Nine Easy Dances, was screened at the Museo Guggenheim Bilbao and nominated for Best Short Documentary by the International Documentary Association in 2024, and it played at Visions du Réel, Dokufest Kosovo, and DOK Leipzig, among others. The film garnered two Best Director awards during its circuit and a Jury Award at the Florence Short Film Festival.

Since graduating with her MFA in Film Production from York University, she continues to work with researchers at York and as a filmmaker-mentor with Wapikoni Mobile.

While at La Baldi, she intends to work on a trio of film vignettes and an accompanying book of photographs and texts. The work is called “Before Zero/After Zero/Zero”. The filming component of this project is supported by the Canada Council for the Arts. In addition, Nora will use her time in Montegiovi to explore her mother’s photographic archive, which includes photos from the region and across Italy.

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Scrittrice, regista, artista
Nora Rosenthal è una scrittrice, regista e artista il cui lavoro è stato sostenuto dal Canada Council for the Arts, dal NFB e dall’Ontario Council for the Arts. Ha partecipato a residenze presso il Banff Centre, il RIDM, la Power Plant Contemporary Art Gallery e UnionDocs a Brooklyn, New York. Già redattrice per arte e cultura di Cult MTL, i suoi scritti sono apparsi su Momus, MUBI’s Notebook, The Editorial Magazine e Documentary Magazine. Il suo cortometraggio Nine Easy Dances è stato proiettato al Museo Guggenheim Bilbao ed è stato candidato come miglior documentario breve dall’International Documentary Association nel 2024; è stato inoltre presentato a Visions du Réel, Dokufest Kosovo e DOK Leipzig, tra gli altri. Il film ha ottenuto due premi come miglior regia durante il suo circuito e un premio della giuria al Florence Short Film Festival.

Dopo aver conseguito un MFA in Film Production presso la York University, continua a collaborare con ricercatori della stessa università e a lavorare come filmmaker-mentor con Wapikoni Mobile.

Durante la permanenza a La Baldi, intende lavorare a un trittico di vignette filmiche e a un libro di fotografie e testi correlati. Il progetto si intitola “Before Zero/After Zero/Zero”. La componente filmica è sostenuta dal Canada Council for the Arts. Inoltre, Nora utilizzerà il tempo a Montegiovi per esplorare l’archivio fotografico della madre, che include immagini della regione e di tutta Italia.

Documentary Filmmaker

Sanjna Selva is an award-winning documentary filmmaker born and raised in Malaysia and based in New York. Through patient and poetic storytelling, her practice explores narratives of migration, home, and belonging. Her work has been featured on PBS, CBS, the International Center of Photography, supported by institutions such as Sundance, Firelight Media, Chicken & Egg, and Open Society Foundations, andexecutive produced by actress and producer Yara Shahidi. Sanjna’s directorial debut, "Call Me Anytime, I'm Not Leaving the House,” filmed two days into the start of the Russian occupation of Ukraine, was acquired by PBS for North American broadcast on the award-winning series POV. The film also screened at numerous festivals within the U.S., France, Italy, the Netherlands, and Ukraine where it received best short documentary and audience awards.

Sanjna is currently producing a feature documentary exploring the rise of Hindu nationalism in India which was recently acquired for distribution by PBS in 2026.

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Regista di documentari
Sanjna Selva è una regista di documentari pluripremiata, nata e cresciuta in Malesia e attualmente residente a New York. Attraverso una narrazione paziente e poetica, la sua pratica esplora temi legati alla migrazione, alla casa e all’appartenenza. Il suo lavoro è stato presentato su PBS, CBS e presso l’International Center of Photography, ed è stato sostenuto da istituzioni come Sundance, Firelight Media, Chicken & Egg e Open Society Foundations, oltre a essere prodotto esecutivamente dall’attrice e produttrice Yara Shahidi. Il suo debutto alla regia, Call Me Anytime, I’m Not Leaving the House, girato due giorni dopo l’inizio dell’occupazione russa dell’Ucraina, è stato acquisito da PBS per la trasmissione in Nord America nella pluripremiata serie POV. Il film è stato inoltre proiettato in numerosi festival negli Stati Uniti, in Francia, Italia, Paesi Bassi e Ucraina, dove ha ricevuto premi come miglior documentario breve e premio del pubblico.

Attualmente Sanjna sta producendo un lungometraggio documentario sull’ascesa del nazionalismo induista in India, recentemente acquisito per la distribuzione da PBS nel 2026.

Artist

Ankit has participated in numerous exhibitions, including those at the Birla Academy of Art, Kolkata, the State Lalit Kala Akademi, Lucknow, Rabindra Bhavan, New Delhi, Academy of Art, Kolkata, the State Lalit Kala Akademi, Lucknow, Rabindra Bhavan, New Delhi, Dhoomimal Art Gallery, New Delhi, AIFACS, New Delhi andNehru Centre, Mumbai.

He has received several prestigious awards, including the Lalit Kala Akademi Scholarship (Garhi), the YoungArtist Scholarship by the Ministry of Culture, New Delhi, and the BHU Gold Medal for his Master’s in Fine Arts (Sculpture). He was also awarded the Junior Research Fellowship (JRF).

Anket has also completed workshops in metal casting, repousse’ and raki experimental techniques, and a ceramic study at Bharat Bhavan, Bhopal.

His intention for this residency is to deepen his material practice with paper pulp—its softness at the beginning and the way it becomes hard and resilient—and to develop a new body of work that responds directly to land, weather, and traces of time. The residency offers a focused period of walking, collecting, observing, and making: slow days in the studio balanced with field time outdoors, so the landscape and the village enter the work not as “background,” but as an active collaborator.

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Artista
Ankit ha partecipato a numerose mostre, tra cui quelle presso la Birla Academy of Art, Kolkata; la State Lalit Kala Akademi, Lucknow; il Rabindra Bhavan, New Delhi; l’Academy of Art, Kolkata; la Dhoomimal Art Gallery, New Delhi; l’AIFACS, New Delhi e il Nehru Centre, Mumbai.

Ha ricevuto diversi premi prestigiosi, tra cui la borsa di studio Lalit Kala Akademi (Garhi), la Young Artist Scholarship del Ministero della Cultura di New Delhi e la medaglia d’oro della BHU per il Master in Belle Arti (Scultura). È stato inoltre insignito della Junior Research Fellowship (JRF).

Ankit ha anche completato workshop in fusione dei metalli, tecniche di repoussé e raku sperimentale, oltre a uno studio sulla ceramica presso Bharat Bhavan, Bhopal.

Il suo intento per questa residenza è approfondire la sua pratica materiale con la pasta di carta — la sua morbidezza iniziale e il modo in cui diventa dura e resistente — e sviluppare un nuovo corpus di opere che rispondano direttamente al territorio, al clima e alle tracce del tempo. La residenza offre un periodo concentrato di cammino, raccolta, osservazione e creazione: giornate lente in studio bilanciate da tempo sul campo, così che il paesaggio e il villaggio entrino nel lavoro non come “sfondo”, ma come collaboratori attivi.

Artist

Ashita Gupta was born in Uttar Pradesh, and she is currently exploring the depth and breadth of self-referential art within India, examining how personal narratives crafted by artists are woven into the fabric of Indian cultural and artistic expressions. Her study aims to uncover the nuanced ways in which these autobiographical elements influence contemporary Indian art and resonate within broader societal constructs.

Her work has been shown in exhibitions throughout India, including the Jehangir Art Gallery, Nehru Centre, Mumbai; Birla Academy of Art and Culture, Kolkata; Academy of Fine Arts, Kolkata; MF Hussain Gallery(UNESCO), New Delhi; the Annual Art Exhibition of Arts, Amritsar; Abir First Take at Hutheesing Visual Art Centre, Ahmedabad; NGMA, New Delhi; State Lalit Kala Akademi, Lucknow; and Khajuraho.

Her intention for the La Baldi Residency is to deepen her ongoing artistic inquiry into the relationship between human emotion, bodily experience, and the organic environment, using land and native ecology as active collaborators in the work. Rooted in practice-based research, her work explores how everyday human gestures—sitting, waiting, leaning,pausing—intersect with plant metaphors and landscape to articulate states of memory, distance, resilience, and emotional transformation.

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Artista
Ashita Gupta è nata in Uttar Pradesh e attualmente esplora la profondità e l’ampiezza dell’arte autoreferenziale in India, esaminando come le narrazioni personali elaborate dagli artisti si intreccino nel tessuto delle espressioni culturali e artistiche indiane. Il suo studio mira a mettere in luce i modi sfumati in cui questi elementi autobiografici influenzano l’arte contemporanea indiana e risuonano all’interno di più ampi contesti sociali.

Il suo lavoro è stato esposto in tutta l’India, tra cui alla Jehangir Art Gallery e al Nehru Centre di Mumbai; alla Birla Academy of Art and Culture e all’Academy of Fine Arts di Kolkata; alla MF Hussain Gallery (UNESCO), New Delhi; alla Annual Art Exhibition of Arts, Amritsar; ad Abir First Take presso l’Hutheesing Visual Art Centre, Ahmedabad; alla NGMA, New Delhi; alla State Lalit Kala Akademi, Lucknow; e a Khajuraho.

Il suo obiettivo per la La Baldi Residency è approfondire la sua ricerca artistica in corso sul rapporto tra emozione umana, esperienza corporea e ambiente organico, utilizzando il territorio e l’ecologia locale come collaboratori attivi nel lavoro. Radicato in una ricerca basata sulla pratica, il suo lavoro esplora come i gesti quotidiani — sedersi, aspettare, appoggiarsi, fermarsi — si intreccino con metafore vegetali e il paesaggio per articolare stati di memoria, distanza, resilienza e trasformazione emotiva.

Writer

James Barilla is the author of several books of narrative nonfiction about the human relationship with the natural world, including Naturebot: Unconventional Visions of Nature (Routledge), My Backyard Jungle (Yale) and West with the Rise (University of Virginia Press). His work has also appeared in print or online in The New York Times, National Geographic, The Atlantic, Conservation and Places. A recent Fulbright Scholar at the University of Bergen in Norway, Barilla is Professor of English at the University of South Carolina, where he is the Director of the MFA Program in Creative Writing and teaches courses in creative nonfiction and the environmental humanities.

At Montegiovi, he intends to work on a section of the book that deals with the question of his Italian heritage as it connects to the watersheds of the region. He will explore the confluence of the Zancone and Vivo streams near the town as a starting point, but his greater ambition is to consider questions of human history and ecological novelty in the Ombrone River system as it flows through Grosseto into the sea. He intends to pursue these questions personally, by walking stretches of the river system, an approach bolstered by talking with local community members and ecological researchers. His time during the residency will thus combine research/writing with exploration of the local and regional watershed, with the goal of completing a draft of a section of the book, How to Love a River, whose central question is the future of post-industrial, urban rivers, specifically what can and should inhabit these ecosystems.

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Scrittore
James Barilla è autore di diversi libri di narrativa saggistica sul rapporto tra esseri umani e mondo naturale, tra cui Naturebot: Unconventional Visions of Nature (Routledge), My Backyard Jungle (Yale) e West with the Rise (University of Virginia Press). I suoi scritti sono apparsi anche su The New York Times, National Geographic, The Atlantic, Conservatione Places, sia in formato cartaceo che online. Recentemente Fulbright Scholar presso l’Università di Bergen in Norvegia, Barilla è professore di inglese all’Università della Carolina del Sud, dove dirige il programma MFA in scrittura creativa e insegna corsi di nonfiction creativa e humanities ambientali.

A Montegiovi, intende lavorare a una sezione del suo libro che affronta la questione della sua eredità italiana in relazione ai bacini idrografici della regione. Esplorerà come punto di partenza la confluenza dei torrenti Zancone e Vivo vicino al paese, ma la sua ambizione più ampia è riflettere sulle questioni della storia umana e della novità ecologica nel sistema del fiume Ombrone, mentre scorre attraverso Grosseto fino al mare. Intende affrontare queste domande in modo personale, camminando lungo tratti del sistema fluviale, un approccio arricchito dal dialogo con membri della comunità locale e ricercatori ambientali. Il suo tempo in residenza unirà quindi ricerca e scrittura con l’esplorazione del bacino idrografico locale e regionale, con l’obiettivo di completare una bozza di una sezione del libro How to Love a River, la cui domanda centrale riguarda il futuro dei fiumi urbani post-industriali, in particolare cosa può e dovrebbe abitare questi ecosistemi.

Sculptor, Researcher, and Writer

Aotearoa New Zealand-based artist Gill Gatfield, a recipient of the 2026 La Baldi Residency Award, works across sculpture, public art, installation, and extended reality. Her practice braids social justice with art-science inquiry, carving matter, code, space and text to bring ancestral intelligence into dialogue with technological futures.

Gatfield’s abstract artwork is presented internationally, including at Venice Art Biennale, Kunstverein Rosa-Luxemburg-Platz Berlin, KØN Museum Denmark, Venice Architecture Biennale, and Ionion Islands UNESCO Geopark. She has held artist residencies at  NARS Foundation New York, Saas-Fee Summer Institute of Art, Vermont Studio Center, Foreign Objekt, Women’s Museum Denmark, and Poison Creek Sculpture Project NZ.

At La Baldi, Gill Gatfield will expand her research on AI2AR (Ancestral Intelligence <> Artificial Intelligence <> Augmented Reality), tracing the roots of the commons through the ecologies of Montegiovi. In site-sensitive studies and virtual activations, her project tests physical-digital sculpture as a ground for exchange, attention, and renewal.

(Gill Gatfield portrait - Chiara Becattini)

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Scultrice, ricercatrice e scrittrice
L’artista di Aotearoa Nuova Zelanda Gill Gatfield, vincitrice del La Baldi Residency Award 2026, lavora tra scultura, arte pubblica, installazione e realtà estesa. La sua pratica intreccia giustizia sociale e ricerca tra arte e scienza, scolpendo materia, codice, spazio e testo per mettere in dialogo l’intelligenza ancestrale con i futuri tecnologici.

Le sue opere astratte sono presentate a livello internazionale, tra cui alla Biennale d’Arte di Venezia, al Kunstverein Rosa-Luxemburg-Platz di Berlino, al KØN Museum in Danimarca, alla Biennale di Architettura di Venezia e all’UNESCO Geopark delle Isole Ionie. Ha svolto residenze artistiche presso NARS Foundation New York, Saas-Fee Summer Institute of Art, Vermont Studio Center, Foreign Objekt, Women’s Museum Denmark e Poison Creek Sculpture Project NZ.

A La Baldi, Gill Gatfield amplierà la sua ricerca su AI2AR (Intelligenza Ancestrale <> Intelligenza Artificiale <> Realtà Aumentata), tracciando le radici del bene comune attraverso le ecologie di Montegiovi. Attraverso studi site-specific e attivazioni virtuali, il suo progetto mette alla prova la scultura fisico-digitale come terreno di scambio, attenzione e rinnovamento.

(Ritratto di Gill Gatfield – Chiara Becattini)

Scholar, Writer, Violinist

Dr. Insia Malik is a scholar, writer, and violinist based in New York. Insia completed double bachelor’s degrees in Violin Performance and Middle Eastern & Islamic Studies at New York University. She earned her Ph.D. in Ethnomusicology from the Graduate Center at the City University of New York in 2022. Her academic research engages with music and media in the Arab world. Insia also holds a violin teaching position at the United Nations International School. She performs regularly on violin with the National Arab Orchestra, New York Arabic Orchestra, the Sinfonietta, and an array of ensembles in New York and across the United States. As a writer, Insia produces the newsletter Twirlable Pasta, which centers food as a segue for larger conversations and Storytelling.

For this residency, she plans to harness both her background as a trained ethnomusicologist—a researcher of sound not limited to music in the traditional sense—and interests as a creative writer in food and storytelling to explore Montegiovi’s landscape and commons through its soundscapes.

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Studiosa, scrittrice, violinista
La dott.ssa Insia Malik è una studiosa, scrittrice e violinista residente a New York. Ha conseguito una doppia laurea in esecuzione violinistica e studi mediorientali e islamici presso la New York University. Nel 2022 ha ottenuto il dottorato in etnomusicologia presso il Graduate Center della City University of New York. La sua ricerca accademica si concentra su musica e media nel mondo arabo. Insia ricopre inoltre un incarico di insegnamento del violino presso la United Nations International School. Si esibisce regolarmente con la National Arab Orchestra, la New York Arabic Orchestra, la Sinfonietta e numerosi ensemble a New York e negli Stati Uniti. Come scrittrice, cura la newsletter Twirlable Pasta, che utilizza il cibo come punto di partenza per conversazioni più ampie e per la narrazione.

Per questa residenza, intende unire la sua formazione di etnomusicologa — studiosa del suono non limitato alla musica in senso tradizionale — con i suoi interessi nella scrittura creativa legata al cibo e alla narrazione, per esplorare il paesaggio e i beni comuni di Montegiovi attraverso i suoi paesaggi sonori.

Interdisciplinary Artist

Billy Friebele is an interdisciplinary artist working in the Washington, DC region whose work examines the relationship between humans and the environment – especially along the Anacostia River. A recentEnvironmental Justice Artivist Fellow with Social Art & Culture and the Aspen Institute, Billy was also a Hamiltonian Artist fellow and one of the first makers-in-residence at the Martin Luther King Jr. Memorial Library. Friebele has exhibited at the Baltimore Museum of Art, the Orlando Museum of Art, the Art Museum of the Americas, the Katzen Center for the Arts, and the Kreeger Museum among other venues nationally and internationally. He earned a BA in Philosophy from St. Mary’s College of Maryland, and an MFA from the Maryland Institute College of Art. Billy Friebele is currently an Associate Professor of Art at Loyola University Maryland.

Last year, in Venice, he recorded underwater videos of the Venetian canals. Before his residency begins, hewill return there to continue collecting video, audio, found objects, and photographs. At La Baldi, he will compile the collected materials and fully develop this new body of work connecting his research with theTuscan landscape and the environment surrounding Montegiovi.

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Artista interdisciplinare
Billy Friebele è un artista interdisciplinare attivo nell’area di Washington, D.C., il cui lavoro esamina il rapporto tra esseri umani e ambiente — in particolare lungo il fiume Anacostia. Recentemente Environmental Justice Artivist Fellow con Social Art & Culture e l’Aspen Institute, Billy è stato anche Hamiltonian Artist Fellow e tra i primi artisti in residenza presso la Martin Luther King Jr. Memorial Library. Ha esposto al Baltimore Museum of Art, all’Orlando Museum of Art, all’Art Museum of the Americas, al Katzen Center for the Arts e al Kreeger Museum, tra altri spazi nazionali e internazionali. Ha conseguito una laurea in filosofia presso il St. Mary’s College of Maryland e un MFA presso il Maryland Institute College of Art. Attualmente è professore associato di arte alla Loyola University Maryland.

Lo scorso anno, a Venezia, ha realizzato riprese subacquee dei canali veneziani. Prima dell’inizio della residenza, tornerà lì per continuare a raccogliere video, audio, oggetti trovati e fotografie. A La Baldi, organizzerà questi materiali e svilupperà pienamente questo nuovo corpus di opere, collegando la sua ricerca al paesaggio toscano e all’ambiente circostante Montegiovi.

Writer, Educator, Community Organizer

Rachel Isaacs Allen is a Punjabi/Irish multi-genre writer, educator, and community organizer from California. She lives in Brooklyn where she teaches Freshman Composition at St. Joseph’s University and professional development for The Department of Education and Houghton Mifflin Harcourt Publishing. Her academic research and writing explores mythology and memory, folklore, cross-cultural identity and performance. Sheholds a Masters Degree in English Literature and Pedagogy, and in May 2026, an MFA in Creative Writing from the Brooklyn Writer’s Foundry where she is a 2025 and 2026 Barbara Germack Fellow and editor of The Foundry Review. An active member of the NYC literary community, she is a Periplus Finalist, typewriter poet and instructor with the Poetry Society of New York, and The Center For Fiction Artist Studio. Rachel organizes TBR: An Emerging Writer Reading Series, to showcase independent authors in the Northeast. Her current work is available in Across the Margins and A Curious Moon.

Her project proposal is to research and write creative nonfiction essays inspired by Dante's Inferno. These essays would act to preserve and extend Alighieri’s epic as she renders her own biography and research into a synthesis of philosophy, lore, and satirical observation of urban life. Her second project, a collection ofpersonal essays, is inspired by autobiographical experiences that inform her fictional narratives.

Montegiovi’s vineyards and oak and olive groves complement her study of the Druidic Tree language, Ogham, which she is confident may inspire a nature essay.

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Scrittrice, educatrice, organizzatrice comunitaria
Rachel Isaacs Allen è una scrittrice multigenere di origini punjabi e irlandesi, educatrice e organizzatrice comunitaria proveniente dalla California. Vive a Brooklyn, dove insegna Freshman Composition presso la St. Joseph’s University e formazione professionale per il Department of Education e Houghton Mifflin Harcourt Publishing. La sua ricerca e scrittura accademica esplorano mitologia e memoria, folklore, identità interculturale e performance. Ha conseguito un Master in Letteratura Inglese e Pedagogia e, nel maggio 2026, un MFA in Creative Writing presso il Brooklyn Writer’s Foundry, dove è Barbara Germack Fellow per il 2025 e il 2026 ed editor di The Foundry Review. Attiva nella comunità letteraria di New York, è finalista Periplus, poeta con macchina da scrivere e docente presso la Poetry Society of New York e il Center for Fiction Artist Studio. Rachel organizza TBR: An Emerging Writer Reading Series, per promuovere autori indipendenti nel Nord-Est degli Stati Uniti. I suoi lavori recenti sono disponibili su Across the Margins e A Curious Moon.

Il suo progetto prevede la ricerca e la scrittura di saggi di nonfiction creativa ispirati all’Inferno di Dante. Questi saggi mirano a preservare ed estendere l’epica di Alighieri, fondendo la sua biografia e la ricerca in una sintesi di filosofia, tradizione e osservazione satirica della vita urbana. Il suo secondo progetto, una raccolta di saggi personali, è ispirato a esperienze autobiografiche che informano le sue narrazioni di finzione.

I vigneti e i boschi di querce e ulivi di Montegiovi si accordano con il suo studio del linguaggio arboreo druidico, l’Ogham, che ritiene possa ispirare un saggio sulla natura.

Writer, Historian

Camille F. Forbes is a storyteller and historian whose fiction has been featured in Obsidian and Callaloo, among other journals, and supported by the Hambidge and Write On Door County residencies. Her current projects include historical novels Minding the Territory and Shadowy Redemption. Dr. Forbes holds a doctorate in the History of American Civilization from Harvard University. Her nonfiction work includes Introducing Bert Williams: Blackface, Burnt Cork, and The Story of America’s First Black Star, a critical biography. She is currently Associate Professor in the Department of Literature at UC San Diego.

During her residency, she will devote her time to completing her current manuscript, Minding the Territory, a historical novel set during the United States Civil War (1861-1865). Although the novel is set in the United States and centers Black people, its questions are relevant to all people who believe in liberation and are devoted to the land they have known as home. The novel’s characters’ relationship to their community, the land, and the landscape is central to this story; the terrain itself becomes a character as the protagonist and others traverse it seeking free spaces, utilizing their experience and know-how as a vehicle to achieve freedom.

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Scrittrice, storica
Camille F. Forbes è una narratrice e storica le cui opere di narrativa sono apparse su Obsidian e Callaloo, tra altre riviste, e sono state sostenute dalle residenze Hambidge e Write On Door County. I suoi progetti attuali includono i romanzi storici Minding the Territory e Shadowy Redemption. La dott.ssa Forbes ha conseguito un dottorato in Storia della civiltà americana presso l’Università di Harvard. Il suo lavoro di saggistica include Introducing Bert Williams: Blackface, Burnt Cork, and The Story of America’s First Black Star, una biografia critica. Attualmente è professoressa associata nel Dipartimento di Letteratura presso l’UC San Diego.

Durante la residenza si dedicherà al completamento del suo manoscritto Minding the Territory, un romanzo storico ambientato durante la Guerra Civile americana (1861–1865). Sebbene il romanzo sia ambientato negli Stati Uniti e si concentri sulle persone nere, le sue domande riguardano tutti coloro che credono nella liberazione e sono legati alla terra che chiamano casa. Il rapporto dei personaggi con la comunità, il territorio e il paesaggio è centrale: il terreno stesso diventa un personaggio mentre il protagonista e gli altri lo attraversano in cerca di spazi di libertà, utilizzando esperienza e conoscenza come mezzo per raggiungerla.

Multi-disciplinary Artist

Christine Ferrera is a multi-disciplinary artist whose work explores the intersection of art and comedy. She began her career as a painter but also works in time-based forms, including film, radio, and performance. Her work centers around themes of gender, ageism, economic disparity in the arts and self-sabotage. She has been performing “absurd yet relatable stand-up" for over a decade.

Ferrera's book, Starbux Diary, documenting her decade-long correspondence with Starbucks Coffee was included in Baltimore City Paper’s Top Ten Books of 2015, and described as “...hilariously personal.” Her 2019 performance lecture on feminist art, Cats, Criminals, and Comedians, was described as “...trenchant, intelligent and funny.” Ferrera debuted her comedy special about lifelong social anxiety, The Shy Vaudevillian, at the prestigious Edinburgh Fringe Festival in 2025, which was described as “...utterly charming!” by the Wee Review. The filmed special is currently in post-production.

Her intention for this residency is to develop a new performance with her partner, Dan Hanrahan.

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Artista multidisciplinare
Christine Ferrera è un’artista multidisciplinare il cui lavoro esplora l’intersezione tra arte e comicità. Ha iniziato la sua carriera come pittrice, ma lavora anche con forme basate sul tempo, tra cui film, radio e performance. Il suo lavoro affronta temi come il genere, l’ageismo, le disuguaglianze economiche nel mondo dell’arte e l’auto-sabotaggio. Da oltre un decennio porta in scena uno “stand-up assurdo ma riconoscibile”.

Il suo libro Starbux Diary, che documenta una corrispondenza decennale con Starbucks Coffee, è stato incluso tra i dieci migliori libri del 2015 dal Baltimore City Paper ed è stato definito “esilarantemente personale”. La sua lecture-performance del 2019 sull’arte femminista, Cats, Criminals, and Comedians, è stata descritta come “acuta, intelligente e divertente”. Nel 2025 ha presentato al prestigioso Edinburgh Fringe Festival il suo spettacolo comico sulla sua ansia sociale di lunga durata, The Shy Vaudevillian, definito dal Wee Review “assolutamente affascinante!”. La versione filmata è attualmente in post-produzione.

Durante la residenza intende sviluppare una nuova performance insieme al suo partner, Dan Hanrahan.

Writer, Musician, Actor, Translator, Educator

Dan Hanrahan is a Chicago-based writer, musician, actor, translator, and teacher. Fronting indie bands in the nineties, he shared bills with Gordon Gano, They Might Be Giants, and Throwing Muses. A National Poetry Slam finalist, Hanrahan has played, read, acted, and delivered monologues at venues throughout North America, including Beyond Baroque in LA and New York’s Nuyorican Poets Café. His poems and translations have appeared in literary journals, such as Brilliant Corners: A Journal of Jazz and Literature and Sibila (Brazil).

Dan has written essays for essays for Counterpunch, El Beisman, The Mantle and other publications. As a songwriter, he has been praised by underground musicians from Eugene Chadbourne to John Kruth. As an actor and composer, Dan is a frequent collaborator with the Chicago-based Spanish language production company, Colectivo El Pozo, and has had supporting roles in two films produced by the company. Currently operating within Chicago’s fertile music, literary and theater scenes, this multilingual Milwaukee native has built a following for his songs, stage performances, and theatrical scores.

Dan will collaborate with his partner Christine Ferrera to develop a new performance.

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Scrittore, musicista, attore, traduttore, educatore
Dan Hanrahan è uno scrittore, musicista, attore, traduttore e insegnante con base a Chicago. Negli anni Novanta, alla guida di band indie, ha condiviso il palco con Gordon Gano, They Might Be Giants e Throwing Muses. Finalista al National Poetry Slam, si è esibito, ha letto, recitato e presentato monologhi in spazi di tutto il Nord America, tra cui Beyond Baroque a Los Angeles e il Nuyorican Poets Café di New York. Le sue poesie e traduzioni sono apparse in riviste letterarie come Brilliant Corners: A Journal of Jazz and Literature e Sibila (Brasile).

Dan ha scritto saggi per Counterpunch, El Beisman, The Mantle e altre pubblicazioni. Come cantautore, è stato lodato da musicisti underground da Eugene Chadbourne a John Kruth. Come attore e compositore, collabora frequentemente con la compagnia teatrale in lingua spagnola Colectivo El Pozo di Chicago e ha ricoperto ruoli secondari in due film prodotti dalla compagnia. Attivo nelle vivaci scene musicali, letterarie e teatrali di Chicago, questo artista multilingue originario di Milwaukee ha costruito un seguito grazie alle sue canzoni, performance sceniche e colonne sonore teatrali.

Durante la residenza collaborerà con la sua partner Christine Ferrera allo sviluppo di una nuova performance.

EXERIA/City of Santiago di Compostela/La Baldi Residency Collaboration

The objective of the Exeria Award is to encourage creativity and literary creation written in the Galician language. La Baldi Residency provides a space for reflection, writing, and exchange.

Award winner to be announced soon.

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Premio Exeria / La Baldi Residency
Collaborazione EXERIA / Città di Santiago di Compostela / La Baldi Residency

L’obiettivo del Premio Exeria è incoraggiare la creatività e la produzione letteraria in lingua galiziana. La La Baldi Residency offre uno spazio di riflessione, scrittura e scambio.

Il vincitore sarà annunciato prossimamente.

Creative Director, AI Artist, Researcher

Ulrike Kerber is a creative director, AI artist, and PhD researcher exploring how AI reshapes creativity,authorship, and visual storytelling through image- and video-based work combined with critical practice-based research.

She founded Viva Design, an award-winning motion design studio and creative think tank based in Santa Barbara and Berlin. Her work spans analog, digital, and AI-driven media, focusing on experimental narrative systems and immersive visual culture.

Ulrike is a Brill Art Foundation Fellowship Award Winner and former resident artist at the Santa Barbara Center for Art, Science & Technology (SBCAST), where her work was exhibited at the intersection of art, science, and technology.

As an educator and public speaker, she teaches at institutions including Hyper Island, Berghs School of Communication, Media University Berlin, and SCAD. She authored The Best AI Tools for Designers and regularly leads AI workshops and ethics salons examining AI's influence on creativity and culture.

Her goal for the residency is to deepen an ongoing investigation into loneliness, presence, and human connection in the age of AI. This work builds on Bubble World, developed for the Brill Art Foundation, which examined emotional isolation, algorithmic echo chambers, and the growing tendency to replace human intimacy with AI companions. While at La Baldi, I want to slow this inquiry down and shift it toward embodied, material, and place-based exploration. The residency will primarily support iterative, process-based experimentation, potentially extending into video or AR.

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Direttrice creativa, artista AI, ricercatrice
Ulrike Kerber è una direttrice creativa, artista dell’intelligenza artificiale e ricercatrice di dottorato che esplora come l’AI stia trasformando la creatività, l’autorialità e la narrazione visiva attraverso lavori basati su immagini e video combinati con una pratica critica basata sulla ricerca.
Ha fondato Viva Design, uno studio di motion design pluripremiato e think tank creativo con sede a Santa Barbara e Berlino. Il suo lavoro attraversa media analogici, digitali e guidati dall’AI, con un focus su sistemi narrativi sperimentali e cultura visiva immersiva.

Ulrike è vincitrice della Brill Art Foundation Fellowship ed è stata artista in residenza presso il Santa Barbara Center for Art, Science & Technology (SBCAST), dove il suo lavoro è stato esposto all’intersezione tra arte, scienza e tecnologia.

Come educatrice e relatrice pubblica, insegna presso istituzioni come Hyper Island, Berghs School of Communication, Media University Berlin e SCAD. È autrice di The Best AI Tools for Designers e conduce regolarmente workshop e incontri sull’etica dell’AI, esaminandone l’influenza su creatività e cultura.

Il suo obiettivo per la residenza è approfondire una ricerca in corso sulla solitudine, la presenza e la connessione umana nell’era dell’intelligenza artificiale. Questo lavoro si basa su Bubble World, sviluppato per la Brill Art Foundation, che indaga l’isolamento emotivo, le camere d’eco algoritmiche e la crescente tendenza a sostituire l’intimità umana con compagni artificiali. A La Baldi, intende rallentare questa indagine e orientarla verso un’esplorazione incarnata, materiale e legata al luogo. La residenza sosterrà principalmente una sperimentazione iterativa basata sul processo, con possibili sviluppi in video o realtà aumentata.

Artist

Nancy Y. Kim is a Korean-American interdisciplinary artist based out of Bologna, Italy. She graduated with a BA from James Madison College at Michigan State University and an MFA in Painting and Drawing from the School of the Art Institute of Chicago. Recent exhibitions include her solo show “Through the Waterline” at Rosalind Sallenger Richardson Center for the Art, Foundation for Contemporary Art’s “Sonia Louise Presents” at Greene Naftali, NYC, and “Brooklyn Seoul” at Brooklyn Waterfront Artists Coalition. In Fall 2024, she was selected as artist-in-residence at Ucross Foundation, WY and Sitka Center for Art and Ecology, OR. She has been awarded residencies at BAU Institute, Cassis, France, Villa Bergerie, Huesca, Spain. She is a contributor to Maake Magazine, a Virginia Center for the Creative Arts (VCCA) Fellow, and a VCCA Fellows Council member since 2022.

Nancy considers stone, water, bone, and soil as points of cultural intersection. At La Baldi she intends to mimic and combine formations and elements from Montegiovi with paper pulp, resin, and clay which play important roles in her practice.

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Artista
Nancy Y. Kim è un’artista interdisciplinare coreano-americana con base a Bologna, Italia. Ha conseguito una laurea presso il James Madison College della Michigan State University e un MFA in pittura e disegno presso la School of the Art Institute of Chicago. Tra le sue mostre recenti figurano la personale Through the Waterline al Rosalind Sallenger Richardson Center for the Arts, Sonia Louise Presents della Foundation for Contemporary Art presso Greene Naftali (New York) e Brooklyn Seoul presso la Brooklyn Waterfront Artists Coalition. Nell’autunno 2024 è stata artista in residenza presso la Ucross Foundation (Wyoming) e il Sitka Center for Art and Ecology (Oregon). Ha inoltre ottenuto residenze presso il BAU Institute a Cassis (Francia) e Villa Bergerie a Huesca (Spagna). È collaboratrice della rivista Maake Magazine, fellow del Virginia Center for the Creative Arts (VCCA) e membro del VCCA Fellows Council dal 2022.

Nancy considera pietra, acqua, ossa e suolo come punti di intersezione culturale. A La Baldi intende imitare e combinare le formazioni e gli elementi di Montegiovi con pasta di carta, resina e argilla, materiali centrali nella sua pratica artistica.

Artist

linn meyers divides her time between Washington, DC and Los Angeles. Her work has been exhibited in venues including the Hirshhorn Museum, the Smithsonian American Art Museum, and the Phillips Collection in DC, the Baltimore Museum of Art, Maryland, the Hammer Museum, LA; the Drawing Center, NYC, the Amore Art Museum, Seoul, and the Tokyo Metropolitan Art Museum. Meyers’s work is included in the collections of the British Museum, LACMA, the National Gallery of Art, the Hirshhorn Museum, and the Philadelphia Museum of Art, among others.

A recipient of prestigious awards including the Pollock Krasner Foundation Award, the Smithsonian Artist Research Fellowship, and the Anonymous Was a Woman award, Meyers has participated in residencies including Hayama (Japan), Tamarind (NM), Smithsonian Artist Research Fellowship (DC), and the San Jose ICA (CA) among others. She holds a BFA from the Cooper Union and an MFA from the California College of the Arts.

At the La Baldi Artist Residency, linn seeks to reintroduce the element of walking and mapping landscapes into her artistic process.

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Artista
Linn Meyers divide il suo tempo tra Washington, DC e Los Angeles. Il suo lavoro è stato esposto in sedi quali l’Hirshhorn Museum, lo Smithsonian American Art Museum e la Phillips Collection a Washington, DC, il Baltimore Museum of Art (Maryland), l’Hammer Museum (Los Angeles), il Drawing Center (New York), l’Amore Art Museum (Seul) e il Tokyo Metropolitan Art Museum. Le sue opere fanno parte delle collezioni del British Museum, del LACMA, della National Gallery of Art, dell’Hirshhorn Museum e del Philadelphia Museum of Art, tra gli altri.

Vincitrice di prestigiosi riconoscimenti, tra cui il Pollock-Krasner Foundation Award, la Smithsonian Artist Research Fellowship e l’Anonymous Was a Woman Award, Meyers ha partecipato a residenze artistiche tra cui Hayama (Giappone), Tamarind (New Mexico), Smithsonian Artist Research Fellowship (Washington, DC) e San Jose ICA (California), tra le altre. Ha conseguito un BFA alla Cooper Union e un MFA al California College of the Arts.

Durante la La Baldi Artist Residency, Linn intende reintrodurre l’elemento del camminare e della mappatura del paesaggio nel suo processo artistico.

Photographer

Intrigued at a young age by his grandfather’s photographs of western landscapes, John Wylie has been photographing for more than 50 years. Now living in New Mexico, he finds the light and landscapes of his home state constantly inspiring. He has exhibited in solo and group exhibits across the country.

His creative process begins with slowing down and looking. His photography is opportunistic, finding images rather than creating them. That is, he observes his surroundings and pays attention to small details: the light and shadows on buildings, the juxtaposition of modern elements to older ones, the manner in which people hold themselves and interact. He is more interested in everyday moments, not drama.

On the other hand, his compositions are deliberate, the result of finding those images and framing them in a manner that reflects a particular moment. He does not seek to impose himself on an image, but rather try to let it speak for itself.

The goal of his residency is to document a small village, perhaps to record a vision of life there in the early 21st century. Having a small town as a subject for an extended period of time, would enable him, as an outsider, to recognize and portray through his photographs its special qualities and character.

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Fotografo
Affascinato fin da giovane dalle fotografie dei paesaggi occidentali scattate dal nonno, John Wylie fotografa da oltre 50 anni. Oggi vive nel New Mexico, dove la luce e i paesaggi del suo stato continuano a ispirarlo. Ha esposto in mostre personali e collettive in tutto il paese.

Il suo processo creativo inizia rallentando e osservando. La sua fotografia è opportunistica: trova le immagini piuttosto che crearle. Osserva l’ambiente circostante e presta attenzione ai piccoli dettagli: la luce e le ombre sugli edifici, il contrasto tra elementi moderni e più antichi, il modo in cui le persone si muovono e interagiscono. È interessato ai momenti quotidiani, più che al dramma.

Allo stesso tempo, le sue composizioni sono deliberate, frutto del ritrovamento di queste immagini e del loro inquadramento in modo da riflettere un momento specifico. Non cerca di imporsi sull’immagine, ma piuttosto di lasciare che essa parli da sé.

L’obiettivo della sua residenza è documentare un piccolo villaggio, forse per registrare una visione della vita lì all’inizio del XXI secolo. Avere un piccolo paese come soggetto per un periodo prolungato gli permetterebbe, come osservatore esterno, di riconoscerne e rappresentarne attraverso la fotografia le qualità e il carattere distintivi.

Artist

Ana Paula Cordeiro is a Brazilian national, New York City-based visual artist working with time-based narratives. The co-author of a book about making books called Bookforms, she co-curated the multi-media installation Introspective Collective. She is a Pollock-Krasner Foundation grantee, a Dean Scholar for the Arts in the MA program at Gallatin School of Individualized Studies at NYU, and she was awarded The Governor’s Medal of Arts and Culture during the Hispanic Heritage Month in 2024.

Artist books can be a solitary practice, but as the Introspective Collective manifesto states, no artist is an island. Ana thrives in the shared space, having been a part of the Center for Book Arts communal shop for her entire career. A resident at the LMCC Arts Center and a research fellow at Hispanic Society Museum, Ana has an extensive exhibition history, and her work is widely collected.

Her work is directly influenced by the craft of bookbinding, revolves around language, and is mostly produced with a combination of relief printing processes (such as letterpress, woodcuts and linocuts) and photo-basedprocesses (such as screen printing and 19th century alternative photographic processes). Predominantly analogue from conception to editioning, Ana’s artist books have been collected by major institutions such as the Library of Congress, the Bodleian Library at Oxford University, and the Special Collections Libraries at Harvard, Columbia, and Berkeley Universities, among others.

However, she has been eager to contribute to the field of artist books as a discipline,which is to explore its potential for the interdisciplinary. For that reason, after twenty years practicing her craft as an undocumentedartist in New York City, she is now obtaining an MA from the Gallatin School of Individualized Studies at NYU as a Dean Scholar for the Arts. Her thesis investigates the connections between the development of hand skills and the advancement of community resilience facing colonialism, reflecting upon the historical literacygap separating people of color—particularly women of color—in regards to means of self-expression. Catarina de Siena’s loyalty to the Tuscan language (as opposed to Latin) was abundantly held as an example of creative resistance.

She is also hopeful that the opportunity of being on site in Montegiovi might lead to research on Maura Baldi, as well as testimonies of those who had the fortune to know her. In addition, Montegiovi is within distance for day trips to both Siena and Pieve Santo Stefano, where she will be able to visit and research the Archivio Diaristico Nazionale and the Piccolo Museo del Diario. La Baldi Residency represents an abundant trove of resources and inspiration to both her artistic practice and her trajectory as an independent scholar.

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Artista
Ana Paula Cordeiro è un’artista visiva brasiliana con base a New York che lavora con narrazioni basate sul tempo. Coautrice del libro Bookforms, dedicato alla pratica del fare libri, ha co-curato l’installazione multimediale Introspective Collective. È stata beneficiaria di una borsa della Pollock-Krasner Foundation, Dean Scholar for the Arts nel programma MA alla Gallatin School of Individualized Studies della NYU, e nel 2024 ha ricevuto la Governor’s Medal of Arts and Culture durante l’Hispanic Heritage Month.

I libri d’artista possono essere una pratica solitaria, ma come afferma il manifesto di Introspective Collective, nessun artista è un’isola. Ana prospera nello spazio condiviso, avendo lavorato per tutta la sua carriera nella comunità del Center for Book Arts. Artista in residenza al LMCC Arts Center e research fellow presso l’Hispanic Society Museum, ha un ampio curriculum espositivo e le sue opere sono ampiamente collezionate.

Il suo lavoro è fortemente influenzato dall’arte della legatoria, ruota attorno al linguaggio ed è realizzato principalmente attraverso una combinazione di tecniche di stampa a rilievo (come tipografia, xilografia e linoleografia) e processi fotografici (come serigrafia e tecniche fotografiche alternative del XIX secolo). Prevalentemente analogici dalla concezione alla tiratura, i suoi libri d’artista sono stati acquisiti da importanti istituzioni come la Library of Congress, la Bodleian Library dell’Università di Oxford e le biblioteche di collezioni speciali di Harvard, Columbia e Berkeley, tra le altre.

Tuttavia, è interessata a contribuire al campo dei libri d’artista come disciplina, esplorandone il potenziale interdisciplinare. Per questo motivo, dopo vent’anni di pratica come artista senza documenti a New York, sta conseguendo un MA alla Gallatin School of Individualized Studies della NYU come Dean Scholar for the Arts. La sua tesi indaga le connessioni tra lo sviluppo delle abilità manuali e il rafforzamento della resilienza comunitaria di fronte al colonialismo, riflettendo sul divario storico di alfabetizzazione che separa le persone di colore — in particolare le donne — rispetto ai mezzi di espressione. La fedeltà di Caterina da Siena alla lingua toscana (in opposizione al latino) è proposta come esempio di resistenza creativa.

Spera inoltre che la presenza a Montegiovi possa portare a una ricerca su Maura Baldi, così come a testimonianze di chi ha avuto la fortuna di conoscerla. Montegiovi si trova inoltre a distanza di una gita giornaliera sia da Siena sia da Pieve Santo Stefano, dove potrà visitare e studiare l’Archivio Diaristico Nazionale e il Piccolo Museo del Diario. La La Baldi Residency rappresenta per lei una ricca fonte di risorse e ispirazione sia per la sua pratica artistica sia per il suo percorso come studiosa indipendente.

Interdisciplinary Artist

Julie Wills is an interdisciplinary artist working in sculpture, installation, drawing, and text. Her works have been shown in museums and galleries across the United States, including recent solo exhibitions at Plain Sight in Washington, DC (commissioned by the Embassy of Sweden and the European Union National Institutes for Culture), Bloomsburg University of Pennsylvania, Gettysburg College, MoCA Arlington and numerous other venues.

She is recipient of multiple awards in the USA: the Maryland State Arts Council, the Edwards Fellowship from Virginia Center for Creative Arts, and artist residencies including Marble House Project, Jentel, PLAYA, Hambidge, and Pyramid Atlantic Arts Center International exhibitions include Fondazione Pistoletto Cittadellarte (Italy), KORDON (Estonia), Cill Rialaig (Ireland), and Arteles (Finland). Based in Baltimore and Colorado, Wills is an Associate Professor of Art at Washington College in Chestertown, MD.

Her residency research will explore Montegiovi’s built environment, social fabric, and material culture, with particular attention to how structures contribute to collective histories and ways of living. She is interested inhow language can function as a tool of improvisation and collective intervention, and how these strategies might intersect with my construction-based works.

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Artista interdisciplinare
Julie Wills è un’artista interdisciplinare che lavora con scultura, installazione, disegno e testo. Le sue opere sono state esposte in musei e gallerie in tutti gli Stati Uniti, tra cui recenti mostre personali presso Plain Sight a Washington, DC (commissionata dall’Ambasciata di Svezia e dall’European Union National Institutes for Culture), la Bloomsburg University of Pennsylvania, il Gettysburg College, MoCA Arlington e numerosi altri spazi.
Ha ricevuto diversi riconoscimenti negli Stati Uniti, tra cui dal Maryland State Arts Council, l’Edwards Fellowship del Virginia Center for Creative Arts, e ha partecipato a residenze artistiche come Marble House Project, Jentel, PLAYA, Hambidge e Pyramid Atlantic Arts Center. Le sue esposizioni internazionali includono Fondazione Pistoletto Cittadellarte (Italia), KORDON (Estonia), Cill Rialaig (Irlanda) e Arteles (Finlandia). Con base tra Baltimora e il Colorado, è professoressa associata d’arte al Washington College di Chestertown (Maryland).

Durante la residenza, la sua ricerca esplorerà l’ambiente costruito di Montegiovi, il tessuto sociale e la cultura materiale, con particolare attenzione a come le strutture contribuiscono alle storie collettive e ai modi di vivere. È interessata a come il linguaggio possa funzionare come strumento di improvvisazione e intervento collettivo, e a come queste strategie possano intersecarsi con le sue opere basate sulla costruzione.

Researcher, Founder & President of Project CETI

David Gruber is the Founder & President of Project CETI (Cetacean Translation Initiative), a large-scale interdisciplinary scientific initiative and nonprofit organization that is applying advanced machine learning and state-of-the-art robotics to translate the communication of sperm whales. His team made pioneering scientific discoveries in sperm whale communication, including identifying a phonetic alphabet and vowel- and diphthong-like patterns. He is Distinguished Professor of Biology and Environmental Sciences at the City University of New York and The CUNY Graduate Center. His laboratory invented technologies, such as the “shark-eye-camera” to perceive the underwater world from the perspective of marine animals. His research team discovered over 200 new species of biofluorescent fish and made the first observations of biofluorescence in sea turtles. Through his long-standing collaboration with the Harvard Microrobotics Laboratory Gruber has engineered the most gentle robotic systems ever created to study and interact with marine life. Gruber actively collaborates with Joan Jonas and other artists, and he co-curated the exhibition “Who Speaks for the Oceans?” at the Mishkin Gallery and the Tarble Arts Center. Gruber holds the Lagrange Prize in complex systems science for his advancements “focused on the conservation of biodiversity, protection of resources and the safeguarding of ecosystems.”

He and his colleague, Ms. Fiona Korwin-Pawlowski, will explore creative expressions around interspecies communication and interspecies connections. This exploration will be based on the last five years of efforts with Project CETI (Cetacean Translation Initiative) and the residence will create the time and space to germinate new ideas. In particular, they will concentrate on expressions related to WhAM (Whale Acoustics Model), the first transformer-based audio-to-audio model designed to synthesize and analyze sperm whale speech. A deeper connection to nature lies at the heart of this project.

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Ricercatore, fondatore e presidente di Project CETI
David Gruber è il fondatore e presidente di Project CETI (Cetacean Translation Initiative), una grande iniziativa scientifica interdisciplinare e organizzazione non profit che applica tecniche avanzate di machine learning e robotica all’avanguardia per tradurre la comunicazione dei capodogli. Il suo team ha compiuto scoperte pionieristiche nella comunicazione dei capodogli, tra cui l’identificazione di un alfabeto fonetico e di pattern simili a vocali e dittonghi. È Distinguished Professor di biologia e scienze ambientali presso la City University of New York e il CUNY Graduate Center.

Il suo laboratorio ha inventato tecnologie come la “shark-eye-camera” per percepire il mondo sottomarino dal punto di vista degli animali marini. Il suo team ha scoperto oltre 200 nuove specie di pesci biofluorescenti e ha realizzato le prime osservazioni di biofluorescenza nelle tartarughe marine. In collaborazione con il Harvard Microrobotics Laboratory, ha sviluppato sistemi robotici estremamente delicati per studiare e interagire con la vita marina. Collabora attivamente con Joan Jonas e altri artisti, ed è stato co-curatore della mostra Who Speaks for the Oceans? presso la Mishkin Gallery e il Tarble Arts Center. È stato insignito del Lagrange Prize per i sistemi complessi per i suoi contributi alla conservazione della biodiversità e alla protezione degli ecosistemi.

Insieme alla collega Fiona Korwin-Pawlowski, esplorerà espressioni creative legate alla comunicazione e alle connessioni tra specie. Questa ricerca si basa sugli ultimi cinque anni di lavoro con Project CETI e la residenza offrirà tempo e spazio per sviluppare nuove idee. In particolare, si concentreranno su espressioni legate a WhAM (Whale Acoustics Model), il primo modello audio-to-audio basato su transformer progettato per sintetizzare e analizzare il linguaggio dei capodogli. Una connessione più profonda con la natura è al centro di questo progetto.

Researcher and Chief Strategy Officer at Project CETI

Fiona Korwin-Pawlowski is Chief Strategy Officer at Project CETI, a nonprofit organization and TED Audacious Project on a mission to listen to and translate the communication of whales.

With over 20 years of experience building programs and partnerships within the social impact space, Fiona is a specialist in structure and strategy for new organizations and initiatives.

From 2016-2022, she served as lead on programs and grantmaking at Rihanna's Clara Lionel Foundation (CLF), which funds and supports climate resilience and climate justice projects in the U.S. and Caribbean. During her tenure, CLF distributed over $45 million in funding in 2020 alone and received a variety of honors including selection as one of Fast Company’s 2022 World Changing Ideas for its Climate Resilience Initiative.

In 2015, she developed UNICEF USA's first corporate disaster response program and in her previous roles with Global Citizen, she led nonprofit partnerships, advocacy campaigns and event logistics. 

Fiona is committed to storytelling as a tool for social change and in 2011 she co-founded Project Istwa, a nonprofit organization that produced Photovoice (photography and writing) and youth development workshops across Haiti. She is Co-founder of the production house Owl Bridge Media where she serves as an advisor on social impact projects and sits on the U.S. Advisory Panel at EarthPercent.

She and her colleague, David Gruber, will explore creative expressions around interspecies communication and interspecies connections. This exploration will be based on the last five years of efforts with Project CETI (Cetacean Translation Initiative) and the residence will create the time and space to germinate new ideas. In particular, they will concentrate on expressions related to WhAM (Whale Acoustics Model), the first transformer-based audio-to-audio model designed to synthesize and analyze sperm whale speech. A deeper connection to nature lies at the heart of this project.

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Ricercatrice e Chief Strategy Officer di Project CETI
Fiona Korwin-Pawlowski è Chief Strategy Officer di Project CETI, un’organizzazione non profit e TED Audacious Project impegnata nell’ascolto e nella traduzione della comunicazione delle balene.

Con oltre 20 anni di esperienza nello sviluppo di programmi e partnership nel settore dell’impatto sociale, Fiona è specializzata in strutture e strategie per nuove organizzazioni e iniziative.

Dal 2016 al 2022 ha guidato programmi e finanziamenti presso la Clara Lionel Foundation (CLF) di Rihanna, che sostiene progetti di resilienza climatica e giustizia climatica negli Stati Uniti e nei Caraibi. Durante il suo incarico, la fondazione ha distribuito oltre 45 milioni di dollari solo nel 2020 ed è stata riconosciuta, tra gli altri, da Fast Company nel 2022 per le World Changing Ideas.

Nel 2015 ha sviluppato il primo programma di risposta ai disastri aziendali per UNICEF USA e, in precedenti ruoli presso Global Citizen, ha guidato partnership con organizzazioni non profit, campagne di advocacy e logistica di eventi.

È impegnata nella narrazione come strumento di cambiamento sociale e nel 2011 ha co-fondato Project Istwa, un’organizzazione non profit che ha sviluppato workshop di Photovoice (fotografia e scrittura) e programmi per giovani ad Haiti. È cofondatrice della casa di produzione Owl Bridge Media, dove è consulente per progetti a impatto sociale, e fa parte del panel consultivo statunitense di EarthPercent.

Insieme a David Gruber esplorerà espressioni creative legate alla comunicazione e alle connessioni tra specie, basandosi sul lavoro svolto con Project CETI. La residenza offrirà il tempo e lo spazio per sviluppare nuove idee, con particolare attenzione a WhAM (Whale Acoustics Model). Una connessione più profonda con la natura è al centro del progetto.

Visual Artist and Designer

Mirjam Debets is a visual artist and designer. Fueled by an endless curiosity about the natural world and stories about who we are as humans, she creates inviting and eclectic worlds and encourages you to explore them with an open mind. She brings these stories to life in animated short films, poetry, video installations and illustrations

After graduating in 2017 from the Utrecht School of the Arts with a degree in animation, she frequently collaborated with the performing arts, as well as musicians and theatre companies as a visual designer. Her work was seen at Dutch Design Week, Museumnacht Amsterdam, and the KLIK Amsterdam Animation Festival.

In 2022, she co-directed the short, animated documentary Diaphony about finding comfort in music during the Covid 19 pandemic, which premiered at the Netherlands Film Festival. Currently, Mirjam isworking on the development of an animated short film entitled A Film About Hands, a poetic exploration of loss in the future in which artists and craftspeople have become obsolete.

During her residency, she will collaborate with her sister, Willemijn Debets, dedicating time at La Baldi to experimenting with performance and dance. She wants to capture the process of exploring a new environment through physical performance in a short film - the common ground in both of their creative practices.

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Artista visiva e designer
Mirjam Debets è un’artista visiva e designer. Spinta da una curiosità inesauribile per il mondo naturale e per le storie su ciò che siamo come esseri umani, crea mondi accoglienti ed eclettici invitando lo spettatore a esplorarli con mente aperta. Porta queste storie alla vita attraverso cortometraggi animati, poesia, installazioni video e illustrazioni.

Dopo essersi laureata nel 2017 alla Utrecht School of the Arts in animazione, ha collaborato frequentemente con le arti performative, musicisti e compagnie teatrali come visual designer. Il suo lavoro è stato presentato alla Dutch Design Week, alla Museumnacht Amsterdam e al KLIK Amsterdam Animation Festival.

Nel 2022 ha co-diretto il cortometraggio documentario animato Diaphony, sulla ricerca di conforto nella musica durante la pandemia di Covid-19, presentato in anteprima al Netherlands Film Festival. Attualmente sta sviluppando un cortometraggio animato intitolato A Film About Hands, un’esplorazione poetica della perdita in un futuro in cui artisti e artigiani sono diventati obsoleti.

Durante la residenza collaborerà con la sorella Willemijn Debets, dedicando il tempo a La Baldi alla sperimentazione con performance e danza. Vuole catturare il processo di esplorazione di un nuovo ambiente attraverso la performance fisica in un cortometraggio — terreno comune delle loro pratiche creative.

Filmmaker

Willemijn Debets is a filmmaker and film student at Utrecht School of the Arts. Her work varies between intimate documentary portraits and fiction films exploring experimental narrative structures. Inspired by her background in philosophy and sustainability sciences, Willemijn uses film to give a voice to authentic ways of seeing that are guided by openness and curiosity towards ourselves, our bodies, and nature.

Her documentary Vogelaar (Birder) won Best Film Award for the “10-minute challenge’” at the Queer FilmFestival Utrecht 2025. The film is an intimate portrait of the young artist Quin, who explores their own queerness and relation to the natural world through the intricate study of bird anatomy and the creation of a life-size crow.

She is currently working on a project, which explores absurd human experiences through a liminal space.

During her residency, she will collaborate with her sister, Mirjam Debets. She wants to capture the process of exploring a new environment through physical performance in a short film - the common ground in their creative practices.

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Regista
Willemijn Debets è una regista e studentessa di cinema presso la Utrecht School of the Arts. Il suo lavoro spazia tra ritratti documentari intimi e film di finzione che esplorano strutture narrative sperimentali. Ispirata dal suo background in filosofia e scienze della sostenibilità, utilizza il cinema per dare voce a modalità autentiche di osservazione guidate da apertura e curiosità verso noi stessi, il corpo e la natura.

Il suo documentario Vogelaar (Birdwatcher) ha vinto il premio per il miglior film nella “10-minute challenge” al Queer Film Festival Utrecht 2025. Il film è un ritratto intimo del giovane artista Quin, che esplora la propria identità queer e il rapporto con il mondo naturale attraverso lo studio dell’anatomia degli uccelli e la creazione di un corvo a grandezza naturale.

Attualmente sta lavorando al suo progetto che esplora esperienze umane assurde attraverso uno spazio liminale.

Durante la residenza collaborerà con la sorella Mirjam Debets, con l’intento di catturare in un cortometraggio il processo di esplorazione di un nuovo ambiente attraverso la performance fisica — elemento condiviso nelle loro pratiche creative.